Tant si sou un pintor abstracte com representatiu, la pintura és tota la llum. No veiem res sense llum, i en el món real la llum és el que proporciona a les coses la seva forma, forma, valor, textura i color visibles.

La manera en què un artista utilitza la llum i transmet la llum diu molt sobre allò que és important per a l'artista i revela qui és ell com ella. Robert O'Hara, en el prefaci del seu llibre sobre Robert Motherwell, va dir:

Llegiu Sfumato, Chiaroscuro i Tenebrisme

Giorgio Morandi

Giorgio Morandi (1890-1964) va ser un dels majors pintors i mestres italians moderns del gènere de natura morta. Els seus subjectes de bodegó eren quotidians ampolles, càntirs i caixes que no es podrien concretar retirant les etiquetes i pintant-les d’un color neutre mat. Utilitzaria aquestes formes per configurar els seus arranjaments de forma morta de maneres poc convencionals: sovint en una línia que hi ha al mig del llenç o agrupats al centre, alguns objectes es "besen" els uns als altres, gairebé toquen, de vegades se solapen, a vegades no.

Les seves composicions s’assemblen molt als racons d’edificis medievals de la ciutat de Bolonya on va passar tota la seva vida, i la llum s’assembla molt a la llum italiana que s’aboca sobre la ciutat. Des que Morandi treballava i pintava lentament i metòdicament, la llum de les seves pintures és difusa, com si el temps passi lentament i suaument. Mirar un quadre de Morandi és com seure al pòrtic en una tarda estiuenca i brusc, mentre el capvespre s’instal·la, gaudint del so dels grills.

El 1955, John Berger va escriure sobre Morandi que "Els seus quadres tenen la inconsciència de notes de marge, però representen una veritable observació. La llum mai no es convenç tret que tingui espai per emplenar: els subjectes de Morandi existeixen a l'espai". Va continuar, dient que hi ha una "contemplació que hi ha al darrere: una contemplació tan exclusiva i silenciosa que hom està convençut que res més que la llum estimada de Morandi podria caure sobre la taula o la prestatgeria, ni tan sols una altra taca de pols.")

Watch Morandi: Master of Modern Still Life, The Phillips Collection (21 de febrer-24 de maig de 2009

Henri Matisse

Henri Matisse (1869-1954) va ser un artista francès conegut pel seu ús del color i el seu dibuix. La seva obra és sovint identificable pel seu ús de colors vius i patrons curvilinius decoratius arabescos. Al començament de la seva carrera va ser un dels líders del moviment fauvista. Fauve en francès significa "bèstia salvatge", a la qual els artistes van ser anomenats per l'ús de colors expressionistes brillants i salvatges.

Matisse va continuar utilitzant un color saturat i brillant, fins i tot després de la decadència del moviment fauvista el 1906, i es va esforçar per crear obres de serenitat, alegria i llum. Va dir: "El que somni és un art d'equilibri, de puresa i serenitat sense caure de temes inquietants o depriment: una influència calmant i calmant en la ment, més aviat com una bona butaca que proporciona relaxació per la fatiga física". expressar l’alegria i la serenitat per Matisse era generar llum. En paraules seves: "Una imatge ha de tenir un poder real per generar llum i des de fa temps he estat conscient d'expressar-me a través de la llum o més bé de la llum" (3).

Matisse va expressar llum mitjançant un color saturat brillant i un contrast simultani, juxtaposant colors complementaris (enfront dels altres a la roda de colors) per crear una vibració i un efecte més gran l'un contra l'altre. Per exemple, al quadre, Finestra oberta, Cotlliure, 1905, hi ha pals de color taronja als vaixells blaus, i un marc de porta vermell brillant contra una paret verda a un costat, amb el verd reflectit a la finestra de la porta de l’altra banda. Les petites taques de tela sense pintar que queden entre els colors també creen una sensació d’aire i una brillant qualitat de la llum.

Matisse va millorar l'efecte de la llum a Open Window mitjançant l'ús de vermells, blaus i verds, que són els colors primaris additius (referits a la llum més que al pigment): les longituds d'ona del taronja-vermell, blau-violeta i verd que es combinen per fer blanc. llum (4)

Matisse sempre buscava llum, tant exterior com interior. En un catàleg d’exposició d’obres de Matisse al Museu Metropolità d’Art, l’autoritat de Matisse Pierre Schneider de París va explicar: “Matisse no va viatjar per veure llocs, sinó per veure la llum, per restaurar mitjançant un canvi de la seva qualitat, la frescor havia perdut ". Schneider també va dir: `` Durant les diverses etapes de la carrera, el que el pintor va anomenar «llum interior, mental o llum moral» i «llum natural, la que prové de fora, del cel», va dominar al seu torn…. Afegeix (citant les paraules de Matisse): "Només després d’haver gaudit de la llum del sol durant molt de temps vaig intentar expressar-me mitjançant la llum de l’esperit." "(5)

Matisse es pensava com a una espècie de budista i l'expressió de la llum i la serenitat eren de gran importància per a ell, per al seu art i per al seu esperit. Va dir: "No sé si crec en Déu o no. Crec que realment sóc una mena de budista. Però l’essencial és situar-se en un marc mental proper al de l’oració. ” També va dir:“ Una imatge ha de tenir un poder real per generar llum i fa temps que sóc conscient d’expressar-me. jo mateix a través de la llum o més aviat per la llum. ” (6)

Mark Rothko

Mark Rothko (1903-1970) va ser un pintor expressionista abstracte nord-americà conegut principalment per les seves pintures de camps intensos i polsants de color ininterromput. Moltes de les seves obres a gran escala tenen una llum radiant que convida a la contemplació i a la meditació i transmeten un sentit d'allò espiritual i transcendent.

El mateix Rothko va parlar del significat espiritual de les seves pintures. Va dir: "M'interessa només expressar les emocions humanes bàsiques (tragèdia, èxtasi, condemna, etc.) i el fet que molta gent es descompon i plora davant les meves imatges demostra que em comuniqui amb aquestes emocions humanes bàsiques. La gent que plora abans dels meus quadres té la mateixa experiència religiosa que jo quan els vaig pintar. "(7)

Els grans rectangles, de vegades dos, a vegades tres, són de colors complementaris o adjacents, com ara Ocher i Red on Red, 1954, pintats amb traços ràpids en capes fines de vidres ja siguin d’oli o acrílic, amb vores suaus que semblen surar. o passeu per sobre de les capes de color subjacents. Hi ha una lluminositat a les pintures que prové d’utilitzar colors de valor similar en diferents saturacions.

Les pintures de Rothko de vegades es llegeixen com a arquitectura i la llum convida l’espectador a l’espai. De fet, Rothko volia que els espectadors es posessin a prop dels quadres per sentir-los partícips i experimentar-los de forma visceral per sentir sensació de por. En eliminar les figures que abans existien en les seves pintures anteriors, va aconseguir crear pintures d’abstracció atemporal que es van convertir més en la llum, l’espai i el sublim.

Vegeu Slideshow de Mark Rothko: National Gallery of Art

Llegiu la pintura que es va vendre per 46, 5 milions de dòlars a la subhasta de NY Sotheby's

La llum és el que es tracta de pintura. Com voleu que la llum dels vostres quadres representi la vostra visió artística?

Mira la llum i admira la seva bellesa. Tanca els ulls i, després, torna a mirar: el que has vist ja no hi és; i el que veureu més endavant encara no ho és. -Leonardo da Vinci

_______________________________

REFERÈNCIES

1. O'Hara, Robert, Robert Motherwell, amb seleccions dels escrits de l'artista, The Museum of Modern Art, Nova York, 1965, pàg. 18.

2. The Editors of Art News, The Metaphysician of Bologna: John Berger a Giorgio Morandi, el 1955, http://www.artnews.com/2015/11/06/the-metaphysician-of-bologna-john-berger- on-giorgio-morandi-in-1955 /, publicat el 11/6/15, a les 11:30 am.

3. Cites de Henri Matisse, http://www.henrimatisse.org/henri-matisse-quotes.jsp, 2011

4. National Gallery of Art, The Fauves, Henri Matisse, 5. Dabrowski, Magdalena, Heilbrunn Cronologia de la història de l'art, The Metropolitan Museum of Art, 6. Cites de Henri Matisse, http://www.henrimatisse.org/henri-matisse-quotes.jsp, 2011

7. Carnegie Museum of Art, Yellow and Blue (Yellow, Blue on Orange) Mark Rothko (americà, 1903-1970),