L’anime es remunta al naixement de la indústria cinematogràfica japonesa a principis dels anys 1900 i s’ha convertit en una de les principals forces culturals del Japó durant el segle passat.
Gran part del treball realitzat en aquests primers anys no va ser la tècnica d’animació cel·lular que arribaria a ser la tècnica de producció dominant, sinó una sèrie d’altres mètodes: dibuixos de pissarra, pintura directament a la pel·lícula, retalls de paper, etc.
Una per una, moltes de les tecnologies que s’utilitzen avui dia s’afegiren a produccions animades japoneses: so (i eventualment color); el sistema de càmeres multiplàniques; i animació cel. Però, a causa de l’auge del nacionalisme japonès i l’inici de la Segona Guerra Mundial, la majoria de les produccions animades creades a partir dels anys trenta no van ser entreteniments populars, sinó que es van orientar comercialment o bé en propaganda d’un tipus o altre.
Postguerra i pujada de la televisió
No va ser fins després de la Segona Guerra Mundial, el 1948, per ser més exacta, que va néixer la primera companyia de producció d'animació moderna japonesa, dedicada a l'entreteniment: Toei. Les seves primeres funcions teatrals estaven explícitament en la línia de les pel·lícules de Walt Disney (tan populars al Japó com en qualsevol altre lloc). Un exemple clau va ser el mini-èpic de ninja i sorcelleria Shōnen Sarutobi Sasuke (1959), el primer anime llançat teatralment als Estats Units (per MGM, el 1961). Però no es va situar enlloc de la Rashōmon d' Akira Kurosawa, que va portar a la indústria cinematogràfica japonesa l'atenció de la resta del món.
El que realment va impulsar l'animació al capdamunt a Japó va ser el canvi a la televisió dels anys seixanta. El primer dels principals programes animats de Toei per a la TV durant aquest temps van ser les adaptacions del manga popular: Sally the Witch de Mitsuteru Yokoyama i la història de "nen amb el seu robot gegant" Tetsujin 28-go va ser adaptada per a TV per Toei i TCJ / Eiken, respectivament. Ditto Shotaro, el gran influent Cyborg 009 d’ Ishinomori, que es va adaptar a una altra franquícia important d’animació Toei.
Primeres Exportacions
Fins a aquest moment, les produccions animades japoneses havien estat creades per i per a Japó. Però a poc a poc van començar a aparèixer als territoris de parla anglesa, tot i que sense gaire manera de relacionar-los amb el Japó.
El 1963 va anunciar la primera gran exportació animada del Japó als EUA: Tetsuwan Atomu, més coneguda com Astro Boy. Adaptat a la màniga d’Osamu Tezuka sobre un robot robot amb superpoders, va sortir a la NBC gràcies a l’esforç de Fred Ladd (que després va portar també a Kimba el lleó blanc). Es va convertir en una pedra de toc nostàlgica per a diverses generacions, tot i que el seu creador –una llegenda cultural al seu país– es mantindria en gran mesura anònim en un altre lloc.
El 1968, l'estudi d'animació Tatsunoko va seguir el mateix patró: van adaptar un títol de manga domèstic i van acabar creant un èxit a l'estranger. En aquest cas, l'èxit va ser Speed Racer (també anomenat Mach GoGoGo). L’home encarregat de portar Speed als Estats Units no seria altre que Peter Fernandez, una figura tan important en la propagació de l’anime més enllà del Japó. Més tard, Carl Macek i Sandy Frank farien el mateix per a altres espectacles, establint un patró on uns quants impresos interessants ajudaven a portar títols d'anime clau a públics de parla anglesa.
En el moment en què es van publicar aquests espectacles, pocs espectadors es van adonar que havien estat molt treballats per a audiències no japoneses. A part de començar a redoblar-se en anglès, també se’ls va editar de vegades per eliminar coses no acceptables per als censors de xarxa. Passaria molt de temps abans que sorgís una audiència que demanava els originals com a qüestió de principi.
Diversificació
A la dècada de 1970, la popularitat creixent de la televisió va suposar un gran pes en la indústria cinematogràfica japonesa, tant d'acció en directe com d'animació. Molts dels animadors que havien treballat exclusivament en cinema gravitaven a la televisió per omplir el seu talent en expansió. El resultat final va ser un període d’experimentació agressiva i d’expansió estilística, i un temps en què es van encunyar molts dels tropes comuns trobats a l’anime fins a l’actualitat.
Entre els gèneres més importants sorgits durant aquest temps: mecha, o anime que tracten amb robots o vehicles gegants. Tetsujin 28-go havia estat el primer: la història d’un noi i el seu robot gegant controlat a distància. Arribaven ara els extravagants robots de batalló de Gō Nagai, l’epopeia Mazinger Z, i l’enorme influent Battleship Espacial Yamato i Mobile Suit Gundam (que va generar una franquícia que encara avui no s’atura).
També es van presentar més espectacles a altres països. Yamato i Gatchaman també van tenir èxit als Estats Units en els seus homòlegs reeditats i reeditats Star Blazers i Battle of the Planet. Un altre gran èxit, Macross (que va arribar el 1982), es va transformar juntament amb altres dos espectacles en Robotech, la primera sèrie d'anime que va fer grans incursions en el vídeo casolà a Amèrica. Mazinger Z es va presentar a molts països de parla espanyola, Filipines i països de parla àrab. I les anteriors sèries Heidi, Noia dels Alps havien trobat gran popularitat a Europa, Amèrica Llatina i fins i tot a Turquia.
La dècada dels vuitanta també va sorgir diversos estudis importants d’animació que es van convertir en innovadors i dissenyadors de tendències. L’antic animador de Toei Hayao Miyazaki i el seu col·laborador Isao Takahata van muntar Studio Ghibli (My Neighbor Totoro, Spirited Away) arran de l’èxit de la seva pel·lícula teatral Nausicaä de la vall del vent. GAINAX, més tard els creadors d' Evangelion, es van formar durant aquest temps també; van començar com un grup de fans fent curtmetratges animats per a convencions i es van convertir en un grup de producció professional.
Algunes de les produccions més ambicioses d’aquest període no sempre van tenir èxit econòmic. El propi AKIRA de Gainax i Katsuhiro Otomo (adaptat del seu propi manga) feien malament als teatres. Però una altra novetat important que va sorgir durant els anys vuitanta va fer possible que aquestes pel·lícules –i gairebé gairebé totes les de l'anime– trobessin nova audiència molt després del seu llançament: el vídeo de casa.
La video revolució
El vídeo en casa va transformar la indústria dels anime als anys vuitanta fins i tot de manera més radical que la televisió. Va permetre la visualització casual d'un programa a part dels programes de repetició de les emissores, cosa que va facilitar que els seguidors que es podien morir, otaku, com ara es coneixien al Japó, es reunissin i compartissin el seu entusiasme. També va crear un nou submercat de producte animat, el OAV (Original Animated Video), una obra més curta creada directament per a vídeo i no per a la transmissió de TV, que sovint presentava animació més ambiciosa i també històries de vegades més experimentals. I també va generar un nínxol només per a adults: hentai, que va adquirir el seu propi fandom malgrat la censura tant a l'estranger com a l'estranger.
LaserDisc (LD), un format únicament de reproducció que posseïa una imatge de qualitat i una imatge sonora de primer nivell, va sorgir del Japó a principis dels anys vuitanta per convertir-se en un format d’elecció entre els videòfils principals i els otaku. Malgrat els seus avantatges tecnològics, LD mai va assolir la quota de mercat de VHS i finalment es va eclipsar completament per DVD i Blu-ray Disc. Però a principis dels anys noranta posseïa un reproductor de LD i una biblioteca de discos per anar-hi (ja que pocs llocs dels EUA llogaven LD) va ser el distintiu de la seva serietat com a aficionat a l'anime tant als EUA com al Japó. Un dels avantatges principals de LD: múltiples pistes d’àudio, que feien que almenys parcialment fos possible que els LD tinguessin present la versió doblada i subtitulada d’un espectacle.
Fins i tot després que la tecnologia de vídeo casolà estigués àmpliament disponible, existien pocs canals dedicats a la distribució d'anime fora del Japó. Molts fans van importar discs o cintes, van afegir els seus propis subtítols de forma electrònica i van formar clubs no oficials de negociació amb cintes que tenien una pertinença petita però intensament dedicada. Aleshores van començar a aparèixer els primers llicenciadors nacionals: AnimEigo (1988); Streamline Pictures (1989); Central Park Media (1990); que també distribuïa manga; AD Vision (1992). Pioneer (més tard Geneon), els desenvolupadors del format LaserDisc i un important distribuïdor de vídeos al Japó, van establir botigues als Estats Units i van importar espectacles des del seu propi listat (Tenchi Muyo).
Evangelion, “Anime de la nit de nit” i Internet
El 1995, el director de GAINAX, Hideaki Anno, va crear Neon Genesis Evangelion, un espectacle de referència que no només va galvanitzar els fans de l'anime existents, sinó que també va passar a l'audiència. Els seus temes per a adults, la crítica cultural provocativa i el final confús (acabats de revisar en un parell de pel·lícules teatrals) van inspirar molts altres espectacles a arriscar-se, a utilitzar tropes d’anime existents, com robots gegants o trames espacials d’òpera espacial, de maneres desafiantes. Aquests programes es van guanyar un lloc tant en vídeo de casa com en televisió de nit, on els programes dirigits a públics madurs podien trobar una franja horària.
Al final dels anys noranta van sorgir altres dues forces importants que van ajudar a l'anime a trobar un públic més ampli. El primer va ser Internet -que, fins i tot en els seus primers dies de marcació, significava que no s’havia d’excavar recopilacions de butlletins informatius o llibres difícils de trobar per obtenir informació sòlida sobre títols d’anime. Les llistes de correu electrònic, els llocs web i els wikis faciliten l’aprenentatge d’una sèrie o personalitat determinada com escriure un nom en un motor de cerca. Les persones dels costats oposats del món podrien compartir la seva visió sense haver de reunir-se mai en persona.
La segona força va ser el format DVD recentment emergent, que va portar a casa els vídeos de gran qualitat a preus assequibles, i va donar una excusa als llicenciadors per trobar i emetre tones de producte nou per omplir les prestatgeries de la botiga. També proporcionava als seguidors la millor manera disponible de veure els seus programes preferits en les seves formes originals, sense tallar: es podia comprar un disc únic amb edicions doblades en anglès i amb subtítols i no haver de triar un o un altre.
Els DVDs al Japó eren i encara són cars (tenen un preu de lloguer, no de venda), però als Estats Units van acabar sent mercaderies. Aviat va aparèixer una àmplia gamma de productes de diversos llicenciadors a les botigues de venda al detall i de lloguer. Això, a més de l’inici d’una àmplia sindicació televisiva de molts títols d’anime més populars en els dubs anglesos -Sailor Moon, Dragon Ball Z, Pokémon- van fer que l’anime fos molt més fàcilment accessible per als fans i visible per a tots els altres. Un augment de la quantitat de producte de doblatge anglès, tant per a la televisió emesa com per a vídeo domèstic, va produir a molts més aficionats casuals. Grans venedors de vídeos com Suncoast van crear seccions senceres del seu espai dedicat a l'anime.
El nou mil·lenni
Al mateix temps, l'anime s'estava expandint molt més enllà de les fronteres del Japó, un gran trastorn després de l'altre a través dels anys 2000 va amenaçar el seu creixement i va portar a molts a especular si fins i tot tenia futur.
El primer va ser la implosió de la “economia de bombolles” del Japó als anys noranta, que havia perjudicat la indústria durant aquell temps però va continuar afectant les coses al nou mil·lenni. La contractació de pressupostos i la disminució dels ingressos de la indústria van suposar un gir cap a les coses que es garantien vendre; Els treballs experimentals i experimentals van prendre un lloc posterior. Els títols basats en propietats existents de manga i novetat lleugera que eren garantits èxits (One Piece, Naruto, Bleach) es van posar de manifest. Els espectacles que van aprofitar l'estètica moé lleugera (Clannad, Kanon) van esdevenir confiables, a més de fer diners de consum d'un sol ús. L’atenció va passar dels OAV a les produccions de televisió que suposaven molt més la possibilitat de recuperar els costos. Les condicions del propi sector de l’animació, mai bones per començar, van empitjorar: més del 90% dels animadors que entren al camp ara marxen després de menys de tres anys de treballar brutalment hores per escassa remuneració.
Un altre problema va ser l’augment de la pirateria impulsada digitalment. Els primers dies de marcació d'Internet no es prestaven a copiar gegabytes de vídeo, però a mesura que l'amplada de banda i l'emmagatzematge creixien exponencialment més barat, va ser molt més fàcil arrencar els episodis d'una temporada sencera en un DVD pel cost dels mitjans en blanc.. Tot i que bona part d'aquest tema girava entorn a les distribucions d'espectacles als fans als Estats Units, és probable que la còpia d'espectacles ja estiguessin sota llicència i es poguessin trobar en vídeo.
Un altre xoc va suposar la crisi econòmica mundial a finals dels anys 2000, que va provocar que moltes més empreses retiressin o passessin per complet. ADV Films i Geneon van causar víctimes importants, amb una part important dels seus títols que van passar a la companyia rival FUNimation. Aquest últim s’havia convertit, en qualsevol mesura, en el major concessionari d’anime anglès més gran gràcies a la distribució de la franquícia de Dragon Ball. Els minoristes de maons i morters van retallar l’espai de sòl dedicat a l’anime, en part a causa de la reducció del mercat, però també per la prevalença de minoristes en línia com Amazon.
Sobreviure i perdurar
I malgrat tot això, l’anime sobreviu. Les assistències a convencions continuen pujant. Una dotzena o més títols d'anime (sèries completes, no simplement discos únics) van tocar les prestatgeries en un determinat mes. Les mateixes distribuïdores també estan utilitzant de forma agressiva les xarxes molt digitals que van fer possible la pirateria per posar còpies legítimes de gran qualitat dels seus espectacles en mans dels fanàtics. La presentació global de l'anime per a fanàtics no japonesos, la qualitat dels discos anglesos, les funcions de bonus creades específicament per a públics d'ultramar, és molt millor que fa deu o fins i tot cinc anys enrere. I un treball més experimental va començar a trobar una audiència, gràcies a punts de venda com el bloc de programació Noitamina.
El més important, continuen sorgint nous espectacles, entre ells alguns dels millors encara fets: Death Note, Fullmetal Alchemist. L’anime que obtenim en el futur pot tenir molt menys una semblança amb el que s’havia vist abans, però només a causa de l’anime viu i evoluciona juntament amb la societat que l’ha produït i el món que l’assaboreix.
